Kolor w fotografii

Jak zarządzać barwą, aby odnieść sukces?

Kolor, na początku fotograficznej drogi kompletnie niedoceniany, niezgłębiany i traktowany po macoszemu. Jednak z biegiem rozwoju i chęci dążenia do pięknych, powalających zdjęć, temat koloru powraca jak bumerang. Uświadamiamy sobie w pewnym momencie przygody z fotografią, że jest to jeden z najważniejszych czynników, mających wpływ na efekt finalny naszych zdjęć. Moim zdaniem, im wcześniej to zrozumiemy, tym szybciej zaczniemy odnosić sukcesy w tworzeniu wyjątkowych fotografii. Kolor to wspaniałe medium, pozwalające zabrać nas w magiczny świat i opowiedzieć historię, którą świadomy odbiorca zrozumie w każdym zakątku świata. Każda z barw, nie dość, że symbolizuje pewne emocje (zachowania), jak np.: gniew, radość, szczęście, zdrowie, to również poprzez połączenie z inną barwą może dać określoną symbolikę, np. walki dobra ze złem (biel i czerń).

Zanim dotrzemy do omówienia i zobrazowania zdjęć pod kątem teorii barw, zacznijmy od dawki inspiracji i poznania 10 wspaniałych artystów, którzy mają wielką świadomość i poczucie estetyki pod względem kolorystyki swoich prac. Szczerze Was zachęcam do przejrzenia portfolia tych osób, zanim przejdziesz dalej.

Natalia Taffarel
Lindsay Adler
Tyler Shields
Eugenio Recuenco
David La Chapelle
Kristian Schuller
Edward Hopper
Jingna Zhang
Tim Walker
Marcin Kempski

Dość łatwo zauważyć, że prace powyższych artystów przykładają ogromną wagę do kolorów. Na ich zdjęciach nie ma żadnych przypadkowych zestawień, wszystko jest przemyślane i zrealizowane zgodnie z harmonią barw. Bardzo utkwiły mi w głowie słowa Natalii Taffarel (w moim mniemaniu, to jedna z najlepszych retuszerek na świecie) podczas, jednego z jej wywiadów: „- Jeśli oglądasz złą fotografię, twój mózg podświadomie będzie dążył do realizowania słabej jakości zdjęć. Jeśli wzorujesz się na pięknej sztuce, kolorystyce, to sam do takiej będziesz zmierzał.” Warto zadać sobie pytanie – w którym miejscu jesteś i gdzie chcesz być.

modelka: Aleksandra Dobek, analogowy schemat kolorystyczny

Zacznijmy, zatem od początku. Co powinniśmy wiedzieć i jaki sprzęt dobrze jest posiadać, aby zarządzać barwą w fotografii studyjnej. Przede wszystkim musimy mieć pomysł na zdjęcia, które chcemy zrealizować. Chciałbym Wam dzisiaj zaprezentować pomysł, który zrealizowałem podczas transmisji na żywo „W świetle inspiracji”, a który możesz zobaczyć na moim kanale YouTube. Inspiracją do powstania zdjęcia była sesja zdjęciowa Adidasa z Gucci, którą możecie zobaczyć tutaj: https://www.vogue.pl/a/adidas-x-gucci-wspolna-kolekcja

Widzieliście jak cudownie została zestawiona ze sobą kolorystyka ubrań oraz oświetlenie. Pomysłem był model ubrany w podobnych kolorach, jak tło na którym się znajduje. Wiedziałem, że w studiu zdjęciowym mam tło kartonowe w kolorze cielistym, zatem ubranie również musi być w podobnych barwach. Takie zestawienie nazywa się monochromatyczną harmonią kolorów. Jeśli na tym etapie swojej fotograficznej przygody nie wiecie jeszcze jak łączyć barwy i co z czym pasuje – nie martwcie się, z pomocą przychodzi nam darmowa aplikacja ADOBE CAPTURE na IOS i ANDROID lub strona internetowa ADOBE COLOR. W aplikacji zobaczycie jak konkretne kolory mają swoje położenie na kole barw (w dalszej części zobaczysz kilka przykładów). Również możecie wykonać zdjęcie, np. stylizacji i zobaczycie, czy spodnie współgrają z koszulą, a całość ubrania z tłem lub wnętrzem apartamentu. Jest to rewelacyjne rozwiązanie, od którego prawie zawsze zaczynam pracę nad kolorem sesji zdjęciowej. Koniecznie je przetestujcie.

„DUNE” Aleksandra Dobek oraz Aleksandra Dębska, analogowy schemat kolorystyczny

OŚWIETLENIE – SETUP 1

W procesie wyboru modela i poszukiwań stylizacji powstawała cała koncepcja oświetlenia. Chciałem uzyskać obraz komercyjny, kontrastowy, jak z reklam telewizyjnych i powyższej inspiracji. Przepis jest bardzo prosty:

dwie lampy GlareOne Vega400
parasol biały 160 cm GlareOne
softbox Easy Fold 60x90cm GlareOne
statywy FatBoy Boom GlareOne

Oświetlenie ustawiłem w kształcie muszli (clamshell) na wprost modela. Parasol ulokowałem u góry i pochyliłem delikatnie w dół, jako główne źródło światła na statywie typu boom. Dzięki temu miałem wolną przestrzeń do fotografowania pomiędzy mną, a Konstantinem. 160cm pozwoliło mi oświetlić zarówno modela, jak i tło. Drugą lampę z założonym softboxem 60x90cm położyłem na ziemi i skierowałem delikatnie w górę. Cenna wskazówka – jeśli często robisz taki schemat oświetleniowy lub zamierzasz to robić, zainteresuj się tym statywem: GlareOne Hightower Glide. Wygląda on jak na poniższym zdjęciu i sprawdza się znakomicie.

Oświetlenie typu muszla, ustawiamy w proporcjach 1:2 lub 1:3 w zależności od tego jaki efekt chcemy osiągnąć. Lampa główna skierowana z góry świeci mocniej, natomiast lampa dolna jest ustawiona na mniejszą moc i służy jako oświetlenie wypełniające. GlareOne Vega 400 bardzo dobrze trzymają temperaturę barwową 5500k (światło dzienne). Dzięki temu mam pewność, że nic złego nie będzie się działo z kolorami podczas trwania, np. całodniowej sesji zdjęciowej. Pamiętajcie, żeby nie pstrykać na automatycznym balansie bieli podczas pracy z oświetleniem błyskowym, gdyż za każdym razem możecie otrzymać inną kolorystykę. Ustawiamy zatem balans bieli na błyskawice lub ręcznie wpisujemy 5500K.

Podczas realizacji sesji zdjęciowych używam również Colorchecker, aby mieć 100% pewności, że pracuję z właściwymi kolorami, które widziałem w trakcie robienia zdjęć. Tworzę w ten sposób swój własny profil kolorystyczny aparatu w danych warunkach oświetleniowych. Zawsze jest to bardzo dobra baza wyjściowa do ewentualnej dalszej post-produkcji i modyfikacji kolorów.

Zrobiłem kila ujęć i mamy to. Na poniższej fotografiach zobaczysz, jakie kolory występowały na zdjęciu i jak harmonia kolorystyczna nam powstała oraz efekt finalny naszej pracy.

model: Konstantin Mazur, monochromatyczny schemat kolorystyczny

OŚWIETLENIE – SETUP 2

Drugie zdjęcie, powstało również podczas transmisji na żywo i oczywiście także opiera się na harmonii barw. Tym razem chciałem pokazać kolory dopełniające się – zieleń i pomarańcz. Użyłem jednak trochę innego oświetlenia, również błyskowego, do tego setupu:

Moim zamiarem było skupić wzrok widza na górnej części ciała i twarzy modelki. Ustawiłem w pierwszej kolejności światło główne, na którym był założony spotlight (snoot optyczny) dający efekt koła. Jest to super narzędzie do kreatywnej fotografii i zabawy ze światłem.

Dopiero w drugiej kolejności dołożyłem błysk wypełniający z założoną czaszą podstawową. Lampa została skierowana w sufit, aby światło odbiło się od niego i opadło rozproszone. Dla mnie jest to jedno z najlepszych ustawień na stworzenie światła wypełniającego, które bardzo często jest pomijane przez początkujących adeptów fotografii. A oto efekty drugiego setupu.

modelka: Marlena Ziobro, dopełniający schemat kolorystyczny

OŚWIETLENIE – SETUP 3

Tym razem do zbudowania oświetlenia dla tego zdjęcia użyłem zamiast światła błyskowego lampy led z GlareOne. Lampy ledowe mają jedną olbrzymią zaletę, widzimy na żywo jak rozkłada się światło w naszym kadrze oraz bardzo dobrze trzymają temperaturę barwową, która możemy regulować.

lampa GlareOne LED 2000D BiColor
lampa GlareOne LED 1500D
czasza podstawowa
spotlight 150mm Kit GlareOne
reflector 110×110 – blenda na ramie 5w1 GlareOne

Przejdźmy zatem do tego jak powstało poniższe zdjęcie „Ukrainian girl”. Zamysłem było zrobić barwy flagi Ukrainy z czerwonym sercem na modelce. W studiu mieliśmy do dyspozycji żółte tło, tym samym jeden z kolorów już został ograny i tego koloru w kadrze jest stosunkowo dużo. Drugą ważną barwą jest niebieski, którego również musiało być sporo. Ustawiliśmy więc lampę led 2000D BiColor z nałożoną czaszą podstawową, na którą nakleiliśmy dwa niebieskie żele dla spotęgowania efektu kolorystycznego. Lampa co istotne ustawiona była na 5500K. Tak ustawione oświetlenie przepuściliśmy przez reflector transparentny 110x110cm, aby światło było bardziej rozproszone. Na samym końcu dodaliśmy led 1500D z spotlightem i spotem w kształcie serca oraz nałożonym czerwonym żelem – dołączonym do zestawu. Obydwie lampy znajdowały się blisko modelki. I tak powstało zdjęcie poniżej.

modelka: Aleksandra Dębska, triada schemat kolorystyczny

Zdjęcia i kolor

Zobaczcie teraz zdjęcia, które stworzyłem zgodnie z teorią barw używając oświetlenia błyskowego GlareOne Vega 400.

Kolor w wielkim skrócie

Jak sami widzieliście na powyższych zdjęciach, są one stworzone za pomocą światła i koloru. Ważne, abyście zainteresowali się od dziś teorią barw i tworzyli swoje kolejne sesje zdjęciowe zgodnie z jej harmonią. Poniżej koło barw, które dobrze jest znać i posługiwać się nim świadomie.

Musicie mieć także świadomość, pracując z oświetleniem błyskowym lub ledowym, że zmniejszając moc lamp lub zwiększając ją, również mamy duży wpływ na zmianę kolorów na zdjęciu. Najlepiej widać to na poniższym diagramie. Jest to bardzo ważne, bo używając tego świadomie możemy np. z koloru szarego zrobić 100% czerń lub idealną biel – oczywiście w dobrze wyciemnionym studiu zdjęciowym

Kolory również dzielimy na ciepłe i zimne

CIEPŁE:

Ciepłe kolory to czerwony, pomarańczowy i żółty oraz odmiany tych trzech kolorów. Są to kolory ognia, jesiennych liści oraz zachodów i wschodów słońca, i na ogół są energetyzujące, namiętne i pozytywne. Kolory ciepłe nie powstają poprzez połączenie z chłodnym kolorem. Używaj ciepłych kolorów w swoich projektach, aby odzwierciedlić pasję, szczęście, entuzjazm i energię.

ZIMNE:

Zimne kolory to zielony, niebieski i fioletowy, często są bardziej stonowane, niż te ciepłe. Są to kolory nocy, wody, natury i zwykle są uspokajające, relaksujące i nieco powściągliwe. Niebieski jest jedynym kolorem podstawowym w chłodnym spektrum, co oznacza, że pozostałe kolory powstają przez połączenie niebieskiego z ciepłym kolorem (żółty dla zielonego i czerwony dla fioletowego). Użyj chłodnych kolorów w swoich projektach, aby dać poczucie spokoju lub profesjonalizmu.

Zapamiętaj także to, że są kolory neutralne i możemy je łączyć z wszystkimi barwami.

Reasumując:

odcień to kolor,
barwa to czystość koloru (w wysokiej barwie nie dodano czerni, bieli ani szarości),
nasycenie odnosi się do tego, jak mocny lub słaby jest kolor,
tony są tworzone przez dodanie szarości do koloru, dzięki czemu jest on bardziej matowy niż oryginał,
odcienie tworzymy przez dodanie czerni lub bieli do koloru, dzięki czemu jest ciemniejszy lub jaśniejszy niż oryginał.

Mam nadzieję, że kolor i światło, które tworzy zdjęcie od dziś będzie wam nieco bliżej znane i będziecie je wykorzystywać w bardziej świadomy sposób. Jeśli chcecie w swojej fotograficznej drodze odnosić sukcesy, koniecznie zwracajcie więcej uwagi na kolor i ustawienie oświetlenia podczas tworzenia sesji zdjęciowych. To dwa nieodłączne, powiązane ze sobą elementy, które dają razem spektakularne fotografie. Trzymamy za was kciuki i czekamy na piękne, dopieszczone fotografie.

modelka: Danuta Tracz, dopełniający schemat kolorystyczny

Piotr Werner – sylwetka autora

Od ponad 13 lat zajmuje się fotografią zawodową. Obecnie specjalizuje się w fotografii modowej i portretowej, a także w realizacji kampanii reklamowych. Jest ambasadorem takich marek fotograficznych, jak: GlareOne, Calibrite, Voigtländer, TetherTools oraz Newell. Oprócz sesji zdjęciowych, prowadzi także warsztaty fotograficzne oraz indywidualne szkolenia z fotografii i post-produkcji. Piotr był wielokrotnie nagradzany za swoją pracę, a jego fotografie były publikowane w kilku znanych magazynach na całym świecie. Uwielbia tworzyć obrazy, które mają dużo charakteru i bawić się przy tym światłem. Jest również autorem podręcznika fotograficznego wydanego w 2021 roku „W świetle inspiracji”.

piotrwerner.pl